有些人屬于藝術史，但不屬于藝術。在我看來，沒有什么比只圖歷史留名的企圖更差勁的了。之所以造成這種原因，和整個社會的精神缺失有關。當今的中國文化藝術環境，充斥著急功近利、唯利是圖，喜歡走捷徑，善于自圓其說，唯獨缺少內省和對自身的批判的能力。
偉大的作品都是徹底個人化的。
藝術的個人化概念是從19世紀“為藝術而藝術”中誕生出來的。當時的藝術家尋求著絕對的個人化表達，注重藝術的本體語言表現，尋求藝術中的絕對自由。藝術新概念的誕生，僅僅與這種純粹的個人化創作、個體思考有關，這套審美理論放在今天也毫無過時。因此，藝術創作者必須遵循自己的內心，相信自己的直覺，真誠地表現自己，人只有在真正個人化的時候才能達到自由的創作狀態。
每個人都應滿懷快樂的信心，以最具個性的方式走屬于他自己的路。只要他堅信，他就是要做自己，那么他心中某種本真的，他自己獨有的東西，就必定為他自己所擁有，任何批評和理論都不可能影響或奪走他自己的獨特本質和內在力量。奇怪的是有些創作者只盯著潮流和藝術史，很在意別人特別是批評家的看法，好像他的創作是為別人而不是為自己似的。
可以這么說吧，受別的什么東西影響制約，就會被異化，想做好藝術也就變得不可能了。
在藝術史上歷來都是一些人去解釋并闡明另一些人。這個情況在絕大時候，往往都是先有創作后有批評及理論。當然也有例外，比如先有弗洛伊德的精神分析理論，后有超現實繪畫。其實誰先誰后不重要，重要的是雙方能相互啟發，相互促進，這是最佳狀態。
由于藝術史是一部語言撰寫史，注重藝術家的創造力、審美及價值，同時也鐘愛試驗性、先鋒性的東西。因為藝術史永遠需要新的東西來補充，所以就給了一些“聰明”藝術家的機會。
雖然最高級的藝術是創新，新東西的出現總是令人亢奮的，但是“新”東西是否誕生價值就需要時間去檢驗了。難道就因為有些新東西給我們那種激動和愉快，自身也許只是刺激感官并沒有什么價值，結果就導致我們迫不及待地犯下凌駕于藝術家才華和天賦之上的錯誤，把藝術降格為感官刺激？
凡事總有兩面性，比如有些先鋒藝術側重批判性，卻忽略了藝術的本體審美。如果說前者體現藝術的功能，那么后者始終強調藝術的終極品質，從藝術史的角度來說，前者可能更容易進藝術史，但不屬于“藝術”，或者說它的藝術成份很低。如果是這樣，藝術的目標不可能被實現，最多只是被毫無詩意的匠心說出而已。
我還是要強調，作為一個藝術創作者絕對不能只盯著藝術史，這是藝術史學家的工作，遵循和研究藝術史的邏輯去創作是投機取巧行為，聰明的藝術家是走不遠的。如果藝術家夠自信夠牛，藝術史學家就會找到新的理論來解釋藝術家的創作在藝術史上的貢獻，并把它納進藝術史的發展脈絡中。
一個富有獨立思考能力的藝術創作者，總是小心翼翼地避開平庸之流所追捧的表面東西，或者至少會對大眾深信不疑的東西產生質疑。
這個世界是一個充滿各種可能的游戲，是一部永遠在自我發展的藝術作品，而藝術的一切游戲恰恰由永恒性和短暫性這兩點雙重構成——我們可以肯定，偉大的藝術是永恒的，不變的，雖然它多少有點難以確定；而短暫的藝術是相對的，暫時的，可以說它是流行的、時尚的。如果說永恒那部分是藝術的靈魂，那么短暫那部分就是它的軀體。
歷史上那些偉大的作品，是不會消失的靈魂。它往往由最艱辛的心血勞作而結出的果實，無論經歷多少個世紀的輪回，依然不斷地啟迪后人，使人產生新感受。這類作品不以某段時間來衡量，有時可能由于條件的限制，一開始竟被埋沒，但終究會煥發出青春活力，反而某些流行的東西和某些暫時入了美術史的東西，遲早會在時間的洪流中沉沒。
時間是公正的，它構成了一條隱秘的藝術史的長河，這條河在隱蔽的深處，是由追求本質的創作者匯聚成的一面純精神的鏡子，它以最誠懇的方式使人認識命運，光照后人。